Les bienfaits du clown et du masque en thérapie

Sous l’expression « thérapie par le jeu », deux pratiques bien distinctes se croisent souvent sans se confondre — et il vaut mieux les séparer avant d’aller plus loin.

Les deux s’appuient sur le jeu et la mise à distance. Mais l’un est reçu, l’autre est joué. Cette nuance change beaucoup de choses dans la manière de les pratiquer — et c’est elle qui structure tout cet article.

Le clown de soin est sans doute la médiation la plus étudiée de cette série — presque exclusivement en contexte hospitalier. Les résultats sont concrets et mesurables :

Le mécanisme documenté est celui du réencadrement humoristique — une situation menaçante devient, l’instant du jeu, un peu moins menaçante. Une étude récente montre même que cette forme de réencadrement réduit l’affect négatif plus efficacement qu’un réencadrement purement rationnel.

Pour comprendre l’autre versant — le masque porté par la personne elle-même — un concept théorique éclaire tout : la distanciation, formulée par le dramathérapeute Robert Landy dès 1985.

Autrement dit : le masque n’éloigne pas de soi, il permet de s’observer sans se confondre avec ce qu’on observe. Une étude menée auprès d’adolescents en psychodrame masqué a documenté des effets concrets : une meilleure conscience de soi, une régulation émotionnelle facilitée, un sentiment de calme et de connexion au monde renforcé.

Le masque n’est d’ailleurs qu’un outil parmi une famille plus large de techniques projectives — la dramathérapie y range aussi la poupée, la marionnette, le maquillage ou encore la vidéo. La marionnette suit ce même principe sans être un masque à proprement parler : en cabinet, il arrive qu’une improvisation avec une marionnette permette de nommer directement une problématique qu’on n’arrivait pas à formuler autrement — de la poser devant soi, à distance, pour la regarder sous un angle différent. Cette distanciation par l’objet fonctionne aussi bien chez l’enfant que chez l’adolescent ou l’adulte.

Ce même principe traverse l’improvisation théâtrale et le psychodrame plus largement, utilisés depuis les travaux de Jacob Moreno dans les années 1920 : rejouer, sous une forme distanciée, ce qui est trop proche pour être regardé en face.

La danse et la musique permettent souvent une plongée subjective directe — écouter ce qui se passe en soi, le clarifier, s’y connecter, dans un mouvement presque intérieur. Le jeu du clown, lui, montre cette même plongée, autrement : il l’expose, il la donne à voir dans l’instant d’une rencontre.

Dans l’accompagnement en cabinet, une observation revient souvent : le déguisement — quelle que soit sa forme — ouvre un espace de dédramatisation et de prise de recul. Cela survient de manière non directive, par moments spontanés venus de la personne elle-même — jamais sollicité ni suggéré par le cadre thérapeutique, la déontologie l’impose. Ce qu’on n’ose pas regarder en face devient alors une matière avec laquelle jouer. Y compris la honte elle-même : plutôt que de la subir en silence, on la met en scène, on la façonne, on en fait un objet de jeu plutôt qu’un poids qu’on porte seul.

L’image du clown, en particulier, oblige à s’appuyer sur d’autres images de soi que celles qu’on connaît. Ce déplacement modifie, le temps du jeu, le rapport à sa propre image et à son propre corps — et il n’est pas rare qu’un sentiment de liberté en émerge, parfois même une forme d’euphorie une fois les peurs initiales traversées, comme si on posait, un instant, un poids qu’on ne savait même plus qu’on portait.

Ce paradoxe rejoint directement ce que le butô enseigne aussi : se vider d’une identité sociale pour laisser émerger autre chose — non pas une fuite de soi, mais un détour nécessaire pour s’y retrouver autrement. La danse, le son, le mot et le jeu ne sont, au fond, jamais séparés : tout est lié dans le même geste de chercher à se dire.

C’est la confusion la plus fréquente, et elle mérite d’être levée clairement.

Le son, le geste, le mot, le jeu : quatre médiations, une même intuition. Aucune n’exclut les autres — elles se répondent, se prolongent, se complètent selon ce que la personne a besoin de traverser à un instant donné.

C’est aussi ce qu’explore l’ esprit des séances : un espace où la création — sonore, gestuelle, écrite ou jouée — précède toujours l’explication.