Les notations en danse : écrire le mouvement, de Feuillet à Laban

D’abord, la danse est un art du présent : une fois le geste terminé, il ne reste que des souvenirs et, depuis un peu plus d’un siècle, des images. Or, la musique dispose de la partition, et le théâtre du texte. Pour la danse, le défi consiste donc à traduire en signes un mouvement qui se déroule dans l’espace et dans le temps.

Quatre usages principaux

Cinq choix à faire pour écrire un mouvement

Ainsi, tout système de notation doit répondre à cinq questions. Par ailleurs, chacun y répond à sa manière, et c’est ce qui les distingue.

• Le corps : comment désigner un pied, un bras, le tronc ?
• L’espace : comment dire vers où va le mouvement ?
• Le temps : comment indiquer le moment et la durée ?
• La qualité : comment suggérer l’énergie, l’intention ?
• La page : dans quel sens lire, et comment relier le tout à la musique ?

Ces choix font ainsi écho aux grands paramètres décrits dans le guide des principes du mouvement : le corps, l’espace, le temps et l’énergie du geste.

À voir en vidéo : écrire la danse

D’abord, les premières notations de la danse sont des aide-mémoire. En effet, dès le XVe siècle, on note les basses danses avec des lettres, placées sous les notes de la mélodie. Ainsi, une courte suite de lettres suffit à rappeler l’enchaînement des pas.

Autrement dit, ces lettres nomment des pas sans les décrire. Elles supposent donc que le danseur sache déjà les exécuter. Pourtant, ce système a duré un siècle et demi : le manuscrit des basses danses de Marguerite d’Autriche, vers 1500, note ainsi 58 danses sous une portée musicale.

Arbeau : danser en regardant la musique

Ensuite, à la fin des années 1580, Thoinot Arbeau, pseudonyme du chanoine de Langres Jehan Tabourot, publie l’Orchésographie, un traité écrit en dialogue entre un maître et son élève. Surtout, il y aligne les pas et la musique : on lit donc la mélodie et la danse en même temps. Grâce à cette présentation, on peut aujourd’hui reconstituer des danses de la Renaissance, comme la pavane, la gaillarde ou le branle.

Puis, au XVIIe siècle, d’autres essais suivent. Par exemple, John Playford décrit en 1651 les country dances anglaises avec des signes symboliques. De son côté, André Lorin dédie à Louis XIV son Livre de contredance en 1686. Toutefois, il faut attendre la fin du siècle pour qu’un système décrive enfin le mouvement lui-même.

Finalement, en 1700, Raoul-Auger Feuillet publie à Paris la Chorégraphie, ou l’art de décrire la danse. Il y reprend en effet le système mis au point dans les années 1680 par Pierre Beauchamp, danseur et chorégraphe de la cour de Louis XIV, à la demande du roi. Désormais, la danse de cour dispose d’une écriture complète, qu’on appelle la notation Beauchamp-Feuillet.

Comment lire une page

Le système se concentre ainsi sur les pieds : pour chaque pas, il indique l’ordre, la direction, la manière et la durée. En outre, le tracé au sol rejoint une notion du guide : les trajectoires au sol, dessinées par le déplacement dans la salle.

Un système qui voyage

Par ailleurs, le système circule vite en Europe. Par exemple, John Weaver en publie dès 1706 une traduction anglaise, intitulée Orchesography. Plus de trois cents danses, surtout pour deux danseurs, nous sont ainsi parvenues. Aujourd’hui encore, des danseurs baroques s’appuient sur ces partitions pour retrouver des danses de bal du XVIIIe siècle.

Or, au XIXe siècle, le ballet romantique évolue vite, et la notation Feuillet ne suffit plus. Plusieurs auteurs inventent alors leurs propres systèmes. Cependant, un seul va laisser une trace décisive : celui du danseur russe Vladimir Stepanov.

Saint-Léon et Zorn : les figurines

D’abord, en 1852, le maître de ballet Arthur Saint-Léon publie la Sténochorégraphie, ou l’art d’écrire promptement la danse, qui représente les attitudes et les pas par des figurines stylisées. Ensuite, l’Allemand Friedrich Albert Zorn améliore ce principe en 1887. Ces notations ont pourtant laissé des traces : en 1975, Ann Hutchinson Guest a pu reconstituer, d’après celle de Saint-Léon, un pas de six de La Vivandière pour le Joffrey Ballet.

La collection Sergueïev

De son côté, Vladimir Stepanov publie en 1892 à Paris l’Alphabet des mouvements du corps humain, une méthode qui emprunte à la musique ses signes. Le Théâtre impérial de Saint-Pétersbourg l’adopte, puis Nikolaï Sergueïev supervise dès 1900 la notation de plus de vingt ballets, surtout de Marius Petipa et de Lev Ivanov, comme Le Lac des cygnes, La Belle au bois dormant ou Giselle.

Ensuite, à la fin des années 1910, Sergueïev quitte la Russie avec ces cahiers. Puis l’université Harvard les acquiert en 1967 et 1969 : ils y forment la « Sergeyev Collection », conservée à la bibliothèque Houghton. Par exemple, en 1939, ils permettent à Sergueïev de monter La Belle au bois dormant à Londres, pour le Vic-Wells Ballet. Plus tard, en 1999, Sergueï Vikharev s’en sert pour une reconstitution au Mariinsky.

Le jour où l’on déchiffre

Pourtant, personne ne savait lire ces partitions pendant longtemps. Elles sont devenues déchiffrables seulement après la redécouverte du manuel original de Stepanov, dans les archives du Mariinsky. La leçon est donc claire : une notation ne vaut que si l’on garde la clé pour la lire. Par ailleurs, certaines pages restent vagues, comme nous le verrons dans la partie 8.

Puis, le tournant arrive au XXe siècle. En 1928, Rudolf Laban expose son système dans Schrifttanz, suivi d’éditions en français et en anglais en 1930. Cette écriture, appelée cinétographie en Europe et Labanotation aux États-Unis, est ainsi devenue la plus répandue au monde.

Par ailleurs, Laban n’est pas seulement l’auteur d’une écriture : il est aussi l’inventeur de la choreutique et de la kinésphère. Autrement dit, sa notation est le versant écrit d’une pensée de l’espace, détaillée dans l’article sur la kinésphère de Laban.

Une portée verticale, lue de bas en haut

Contrairement à une partition de musique, la portée Laban est verticale. On la lit donc de bas en haut, en suivant le temps qui s’écoule. Ensuite, sa ligne centrale représente l’axe du corps : les signes placés à droite concernent le côté droit, ceux de gauche le côté gauche. Enfin, les colonnes correspondent aux parties du corps, avec les appuis, le plus souvent les pieds, juste à côté de l’axe.

Ce que dit chaque élément du signe

Les neuf directions, chacune sur trois niveaux, donnent ainsi 27 combinaisons. Ce découpage de l’espace rappelle donc celui de la kinésphère.

Deux écoles, un même alphabet

D’abord, vers 1930, Albrecht Knust et Azra, la fille de Laban, fondent la Tanz-Schreib-Stube, premier bureau de notation. Knust, premier cinétographe à plein temps, rédige ensuite un Handbuch der Kinetographie Laban en huit volumes (1946-1950). De son côté, Ann Hutchinson Guest développe le système aux États-Unis et le nomme Labanotation. Parallèlement, le Dance Notation Bureau naît à New York en 1940. Enfin, depuis la création du Conseil international de cinétographie Laban en 1959, les deux versions sont utilisées presque indifféremment.

Le Dance Notation Bureau conserve aujourd’hui des partitions de George Balanchine, Paul Taylor, Mark Morris, Doris Humphrey ou William Forsythe. Ces deux derniers figurent aussi dans le guide des principes du mouvement, qui présente la technique Humphrey-Limón et les outils d’improvisation de Forsythe.

Et en France ?

D’abord, en 1999, le Centre national de la danse (CND) publie une Grammaire de la notation Laban en deux volumes. Par ailleurs, des fonds de partitions sont conservés par le Dance Notation Bureau à New York, par le CND à Pantin, par le CNSMD de Paris et par le Centre national d’écriture du mouvement en cinétographie Laban (CNEM). Enfin, le CNSMD de Paris et l’université Paris Nanterre l’enseignent.

À voir en vidéo : découvrir la notation Laban

Benesh : une silhouette sur une portée

Mis au point à la fin des années 1940 par Joan et Rudolf Benesh, ce système est présenté en 1955. Sa portée compte cinq lignes, qui représentent le corps d’un danseur vu de dos : la tête, les épaules, la taille, les genoux et les pieds.

Ensuite, on lit de gauche à droite, comme une partition. Des barres verticales marquent le temps, et chaque « image » fixe une position complète du danseur. Par exemple, un court trait horizontal indique une main ou un pied dans le plan du corps, un court trait vertical, une main ou un pied devant le corps, et un point, l’arrière.

Grâce à sa ressemblance avec la portée musicale, cette notation s’écrit sous la musique et reste synchronisée avec elle. Aujourd’hui, la Royal Academy of Dance l’utilise pour enseigner le ballet, et le Victoria and Albert Museum conserve à Londres la collection Benesh. Par ailleurs, en France, le CNSMD de Paris l’enseigne, et le chorégraphe Angelin Preljocaj l’emploie.

Conté : le solfège du corps, à la française

En 1931, le Français Pierre Conté (1891-1971) propose un « solfège corporel » : une partition de neuf lignes, lue de gauche à droite et placée sous la musique. Ainsi, cinq lignes sont réservées aux jambes et aux appuis, une au bassin et au tronc, une à la tête, et deux aux bras.

Son atout principal : un musicien le lit presque sans préparation. De plus, il permet de créer, d’analyser et de transmettre une chorégraphie. Une partie du répertoire Feuillet a d’ailleurs été transcrite dans ce système, notamment par Francine Lancelot.

Eshkol-Wachman : le corps en coordonnées

En 1958, la théoricienne de la danse Noa Eshkol (1924-2007) et Avraham Wachman (1931-2010), professeur d’architecture au Technion, tous deux israéliens, publient Movement Notation. Leur idée : réduire le corps à un squelette de segments. Ainsi, chaque membre devient une ligne de longueur fixe, dont l’extrémité libre se déplace à la surface d’une sphère.

Comme la kinésphère de Laban, ce modèle repose donc sur des sphères autour du corps. Cependant, il les mesure : une position se repère par deux coordonnées, un peu comme la latitude et la longitude, par pas de 45 degrés. Ensuite, on l’écrit comme une fraction, avec la hauteur au-dessus et la direction horizontale en dessous.

La partition prend la forme d’une grille. Conçue pour la danse, elle sert pourtant aussi à noter n’importe quel mouvement humain ou animal : langue des signes, sport, médecine, comportement animal. Par exemple, des chercheurs de l’université de Floride l’ont utilisée pour étudier les premiers mouvements des bébés.

Sutton : de la danse à la langue des signes

D’abord, en 1966, à 15 ans, Valerie Sutton imagine une écriture en figurines pour noter ses propres cours de ballet. Puis elle publie en 1973 le Sutton Movement Shorthand. Ensuite, des chercheurs de l’université de Copenhague lui demandent en 1974 de l’adapter aux langues des signes, ce qui donne naissance à SignWriting.

Forsythe : des « technologies d’improvisation » plutôt qu’une notation

Le chorégraphe américain William Forsythe n’a pas créé de notation écrite classique, comme celles de Laban ou de Benesh. En revanche, il a renouvelé la transmission de la danse avec Improvisation Technologies, un outil numérique développé à partir de 1994 et publié en CD-ROM en 1999 par le ZKM de Karlsruhe et les archives allemandes de la danse (Deutsches Tanzarchiv Köln). Sous-titré « A Tool for the Analytical Dance Eye », il présente Forsythe en train d’expliquer ses principes de mouvement, notamment comment imaginer des lignes, des courbes et des formes géométriques autour du corps pour guider l’improvisation.

Depuis le 30 juin 2023, le ZKM en propose les contenus principaux gratuitement en ligne : 59 démonstrations vidéo de Forsythe, trois essais et un entretien. Ils sont accessibles sur le site improvisation-technologies.zkm.de (en anglais).

Ainsi, on peut parler d’une « notation » géométrique et numérique, au sens large : le geste est décrit par des consignes spatiales plutôt que par des signes sur une portée. Plus tard, en 2009, le projet Synchronous Objects, mené avec l’Ohio State University, a prolongé cette idée pour la pièce One Flat Thing, reproduced. Ses créateurs parlent de « traces, scores, maps », soit des traces, des partitions et des cartes. Toutefois, ces outils ne remplacent pas une partition : ils guident l’improvisation ou révèlent l’organisation d’une œuvre. Le guide des principes du mouvement détaille ces outils de Forsythe.

Des notations spécialisées, puis l’ère numérique

Par ailleurs, d’autres systèmes répondent à des besoins précis : la Kahnotation pour les claquettes (1951), le système Chamo pour les danses coréennes (années 1970) ou, plus récemment, une notation pour le tango argentin (2017).

Parallèlement, le numérique transforme l’écriture. Par exemple, DOM (Dance on Microprocessor), créé en 1982 sur Apple II, est le premier système informatisé : il fait danser une figure à l’écran. Plus tard, le logiciel LabanWriter, développé à l’Ohio State University avec Lucy Venable, permet de composer des partitions Laban à l’ordinateur. Enfin, des chercheurs en robotique utilisent la Labanotation pour décrire des gestes du haut du corps que des robots apprennent à reproduire.

Pour s’y retrouver, voici d’abord la frise des grandes dates, puis un tableau comparatif et un exemple concret.

Frise chronologique

• XVe siècle : Les basses danses sont notées par des lettres sous la mélodie
• 1588-1589 : Arbeau publie l’Orchésographie
• 1700 : Feuillet publie la Chorégraphie (système Beauchamp-Feuillet)
• 1852 : Saint-Léon publie la Sténochorégraphie
• 1887 : Zorn améliore le système de figurines
• 1892 : Stepanov publie l’Alphabet des mouvements du corps humain
• 1928 : Laban expose sa notation dans Schrifttanz
• 1931 : Pierre Conté présente son « solfège corporel »
• 1955 : Les Benesh présentent leur système
• 1958 : Eshkol et Wachman publient Movement Notation
• 1973 : Valerie Sutton publie le Sutton Movement Shorthand
• 1982 : DOM, premier système de notation informatisé
• 1999 : le CD-ROM Improvisation Technologies de William Forsythe est publié
• 2009 : lancement de Synchronous Objects, avec l’Ohio State University

Les principaux systèmes côte à côte

Le même pas, écrit de quatre façons

Toutefois, ces exemples restent simplifiés : une vraie partition précise aussi l’appui, le niveau, la rotation et bien d’autres détails.

Limites et nuances

Noter ne dispense donc ni de la vidéo ni de la transmission de corps à corps. Au contraire, ces approches se complètent : l’image montre, la partition décrit, et le maître transmet.

En effet, le meilleur moyen de comprendre une notation est d’en inventer une. Pour cela, prévoyez 20 minutes, une feuille, un crayon et un ou une partenaire.

1. D’abord, choisir un mini-parcours : trois pas en avant, un demi-tour, un bras qui monte.
2. Ensuite, dessiner le tracé au sol, comme Feuillet : une vue de dessus, avec le départ et l’arrivée.
3. Puis ajouter le temps : une barre à chaque mesure, ou à chaque groupe de quatre temps.
4. Après, écrire en colonnes, comme Laban : une colonne pour le pied droit, une pour le gauche, de bas en haut, avec la longueur pour durée.
5. Puis ajouter les directions : un signe pour l’avant, le côté, l’arrière, et un autre pour le niveau bas, moyen ou haut.
6. Enfin, faire lire votre partition à quelqu’un d’autre, sans explication, puis comparer avec ce que vous aviez en tête.

Ainsi, les écarts entre les deux versions sont précieux : ils montrent ce que votre écriture laisse dans l’ombre. Or, c’est exactement le problème que chaque notation de cet article a tenté de résoudre.